Пленэр. Особенности пленэрной живописи. Растения пленэр
8 простых секретов рисования на пленэре!
Май 14, 2016
in Полезные статьи по рисованию by Марина Трушникова8 простых секретов рисования на пленэре!
Пленэр (от фр. en plein air — «на открытом воздухе») — живописная техника изображения объектов при естественном свете и в естественных условиях.
Характерным в рисовании на пленэре, является освещение, совершенно иное, чем в закрытом помещении.
Пленер появился в начале XIX века в Англии благодаря Джону Констеблю и Ричарду Парксу Бонингтону.
Эта техника пользовалась большой популярностью у французских импрессионистов (именно тогда пленер как термин получает широкое употребление).
Благодаря пленэру краски стали выпускать в тубах. До этого художники готовили краски в своих мастерских сами.
Такие художники, как Жан-Батист Камиль Коро, Жан-Франсуа Милле, Камиль Писсарро, Пьер-Огюст Ренуар и не в последнюю очередь Клод Моне внесли свой вклад в становление пленерной живописи.
В России во 2-й половине XIX — начале XX века пленерной живописью успешно занимались Василий Поленов, Исаак Левитан, Валентин Серов, Константин Коровин, Игорь Грабарь.
Работа на пленэре: 8 необходимых рекомендаций!
Ignacio de Leon y Escosura. El patio del artista 1875
1. Выбор места расположения
Располагайтесь в тенёчке! Это обязательное условие.
Работа, написанная на ярком солнце, в помещении будет выглядеть тёмной. А вы, работая на солнце, испортите своё зрение.
2. Необходимость головного убора
Кроме того, даже в тени, одевайте широкополую шляпу или кепку с козырьком. Это сфокусирует вас на пейзаже, даст видеть его отчетливее.
Подробнее о выборе места и чистоте живописи пленэрного этюда:
ВИДЕО Марины Трушниковой
Georges d’Espagnat. Woman painting in the Open Air. 1912-14
3. Этюдник
Для работы на пленэре художник использует специальный этюдник. Но его отсутствие — не повод отказывать себе в удовольствии писать пейзажи.
Всегда можно удобно расположиться, имея низкий складной стульчик и планшетик. Краски при этом кладутся на землю, планшет — на колени, а палитру — в нерабочую руку. Всё получается!
Как сделать мольберт из фотоштатива?
4. Скорость работы
Пишите быстро. Иначе глаз быстро привыкает, «замыливается» и не видит нюансов.
Широкими мазками проложите основные цветовые отношения: небо-земля (вода), кроны деревьев дальнего и переднего плана (свет и тень). Это нужно сделать в первые 15 минут работы.
Иногда уже на этом можно остановиться, для этюда больше и не надо, остальное можно дописать дома.
Fernand Allard-L’Olivier. Le Jardin de L’artiste
5. Перерывы в рисовании
Если работаете больше часа — делайте перерыв, чтобы отвлечься, дать глазу отдохнуть и увидеть всё опять свежим взглядом.
6. Формат работ
Размер этюдов лучше брать небольшой – от 10х15 см до альбомного формата. Больший размер потребует большего времени и красок.
И потом, как говорил И. Левитан: «Никогда не гонитесь за большими размерами этюдов; в большом этюде больше вранья, а в маленьком совсем мало».
Летний пейзаж: ВИДЕО этюд с пленэра
John Singer Sargent. Claude Monet Painting by the Edge of a Wood, 1885
7. Постоянно сравнивайте
В процессе работы постоянно сравнивайте разные участки этюда по тону и цвету.
Чтобы хорошо видеть тональные отношения иногда смотрите на натуру расфокусированным взглядом — так детали исчезают, и тон объектов виден лучше.
8. Детальность этюда
В завершении этюда пропишите первый план более детально. Это придаст пейзажу глубину, а картине — законченность.
Как правильно передать глубину пространства в пейзаже?
Сделайте репост статьи в лентах своих соцсетей! Мне приятно, когда мой труд не напрасен:)
Больше интересной и полезной информации о рисовании от художника Марины Трушниковой Вы найдете в электронном журнале “Жизнь в Искусстве”.
Получайте номера журнала на свой e-mail!
izo-life.ru
Выходим на пленэр с акварелью! Список необходимого
Дек 09, 2013
in Полезные статьи по рисованию by Марина ТрушниковаВыходим на пленэр с акварелью: делюсь списком необходимого!
Рисовать на пленэре – это отличный способ наблюдать природу! И акварельные краски особенно удобны для этого.
Начните рисовать акварелью уже сегодня!
Освойте основы акварельного письма с популярным курсом
“Укрощение акварели”
ЗАРЕГИСТРИРОВАТЬСЯ СЕЙЧАС!
Все подсобные материалы легко взять с собой, а окружающая среда идеально способствует тому, чтобы передать на картине ощущения света и воздуха.
Выходим на пленэр с акварелью!
Что взять? Смотрите это видео:
Пленэр с акварелью: список материалов
- Мольберт-тренога или складной стульчик
- Планшет
- Акварельная бумага
- Акварельные краски
- Палитра (если нет в красках)
- Кисти: крупная, средняя, мелкая (минимум)
- Ведерко для воды
- Бутылка с водой
- Скотч малярный
- Тряпочка или бумажные салфетки
- Простой карандаш и ластик
Да! и не забудьте еще одну вещь – шляпу с широкими полями или кепку с длинным козырьком. Они защитят глаза от солнца и позволят видеть цвет лучше!
Только присматриваетесь к акварельной живописи, но уже хотите отправиться на пленэр?
Серия мастер-классов по рисованию элементов пейзажа поможет избежать распространенных ошибок начинающих!
РИСУЕМ НЕБО И ОБЛАКА АКВАРЕЛЬЮ
Небо в картине – один из главных элементов. Оно задает колорит всей картины, настроение пейзажа. Как написать акварелью облака, чтобы они были легкими, живописными? Посмотрите этот мастер-класс на видео!
РИСУЕМ МОРСКУЮ ВОЛНУ АКВАРЕЛЬЮ
Стихия моря никого не оставляет равнодушным. Чтобы нарисовать волну, нужно понимать ее характер, знать ее форму. Этот мастер-класс на видео научит вас писать волны правильно и достоверно!
РИСУЕМ КАМНИ И СКАЛЫ АКВАРЕЛЬЮ
Рисуем скалы, используя интересные приёмы из китайской живописи. В чем разница “мужских” и “женских” камней? Как передать их объем и фактуру? Узнайте из этого мастер-класса!
izo-life.ru
| Обратная связь | Пленэр –(франц. – открытый воздух)- термин, обозначающий передачу в картине всего богатства изменений цвета, обусловленных воздействием солнечного света и окружающей атмосферы. Пленэрная живопись сложилась в результате работы художников на открытом воздухе (а не в мастерской), на основе непосредственного изучения натуры в условиях естественного освещения, с целью возможно более полного воспроизведения её реального облика. Некоторые моменты, предвосхищающие появление пленэрной живописи, можно проследить в творчестве мастеров итальянского Возрождения и художников 17 в. Однако по существу принципы пленэрной живописи получили распространение в 1 половине 19 в. (Дж. Констебл – Великобритания, А.А. Иванов – Россия). Наиболее полное воплощение принципы пленэра нашли во 2 пол. 19 в. (термин начинает широко употребляться) в творчестве мастеров импрессионизма – К.Моне, К.Писсаро, О. Ренуара и др., а также в русской пейзажной живописи 2 пол. 19-ная. 20 вв. (В.Д.Поленов, И.И. Левитан, В.А. Серов, К.А. Коровин, И.Э. Грабарь). Нельзя не отметить, что, выйдя из мастерской на пленэр, сам художник попадает в особые условия. Ведь и на его палитру и этюд тоже проникают рефлексы, что значительно затрудняет поиски достоверного цвета. Это необходимо учитывать при выборе места для работы на воздухе. Если нельзя найти надежное укрытие, художники берут с собой особый зонт, защищающий их от рефлексов голубого неба и солнечных лучей. Непривычные просторы изображаемого пространства, обилие света, большая удаленность объектов природы от глаз наблюдателя, новые условия работы обычно увлекают и одновременно пугают впервые попавшего на пейзажные этюды начинающего живописца. Поначалу трудно охватить взглядом глубину пространства, увидеть цвета предметов и объектов, измененных расстоянием, силой и состоянием освещения. Трудности первых опытов работы на пленэре усугубляются быстрой сменой освещения (то яркое солнце, то набежавшие от туч тени), различным состоянием погоды в течение суток (утром, днем, вечером) или в разные времена года. Передача цветовых отношений объектов природы с учетом тонового и цветового состояния освещенности является основой живописи пейзажа. Предстоит решить цветовую основу, на которой в процессе написания этюда строятся конкретные отношения между деталями пейзажа. Приспособление для работы на воздухе.Для хранения и переноса красок, кистей, палитры нужно приобрести или сделать самим деревянный ящик, называемый этюдником. Этюдники бывают двух видов (рис. 100): для акварели —легкий плоский деревянный ящик с акрилатовой палитрой, кассетами для красочных смесей и другими принадлежностями; или «комбайн»—универсальный этюдник с раздвижными ножками, который можно использовать для работы на воздухе (на пленэре) и для работы в мастерской. Для работы на природе полезным будет и складной легкий стульчик, так как не всегда приходится работать стоя. Имея переносной стульчик, легче организовать рабочее место. При желании можно самим изготовить приспособление для работы на пленэре: папки и сшитые из парусины сумки с карманами для красок, кистей, фляги с водой и других вещей. Приступая к пейзажному этюду, следует прежде всего позаботиться о выборе наилучшей точки наблюдения, с которой весь будущий пейзаж воспринимается цельно, смотрится выразительно, когда четко определяются пространственные планы. Если в композиции этюда мы хотим показать деревья целиком, то надо находиться от них на достаточном удалении (не менее чем две-три величины объекта изображения по большей стороне). Рамка-видоискатель, вырезанная из бумаги, поможет найти композиционное решение в соответствии с замыслом и конкретной задачей. Чтобы этюд был хорошо скомпонован, надо сосредоточить внимание только на том, что составляет основу, главный сюжет изображения, отказавшись от всего второстепенного, остающегося за рамкой видоискателя. Одна из главных композиционных задач — с самого начала определить на плоскости этюда крупные соотношения земли и неба. Все элементы пейзажа в дальнейшем будут строиться в зависимости от положения линии горизонта (находящейся на уровне наших глаз). Горизонт не должен делить картинную плоскость горизонтальной линией на две равные части. Этюд смотрится интереснее, когда на нем показано либо больше неба, либо больше земли, а не их пропорциональное равенство. Симметрия делает композицию невыразительной и скучной. Цветовые отношения между отдельными объектами, участками, и планами видимой натуры, правильная передача общего цветового состояния природы зависят от освещения. Освещение в пейзаже (в солнечный яркий день—яркие, светлые краски палитры, в пасмурный день — темные, малонасыщенные цвета) во многом определяет успех построения эмоционально-выразительного пейзажного этюда. Решение больших цветовых отношений должно обязательно вестись с учетом различного состояния освещенности, дневного, вечернего и т.д. На начальной стадии обучения необходимо научиться чувствовать роль воздушной перспективы и освещения (например, стволы берез на закате солнца окрашены в оранжево-красные оттенки), выработать способность замечать не предметные цвета, а обусловленные освещением и удаленностью, т.е. измененные, цвета предметов. На природе, где цвета предметов меняются в зависимости от освещения, нужно определить, в каких пределах должны быть построены цветовые отношения. Если по неопытности не задаться такими параметрами, придется все время переписывать начатый этюд, например в случае, если солнечная погода сменилась пасмурной. Работая на пленэре, следует устанавливать пропорциональное различие цветов, перспективное изменение обусловленного цвета на разных планах, одновременно держа их в поле зрения (первый — ближней, средний — второй и дальний —задний). Хотя объекты пейзажа и расположены на разных планах, их можно сравнивать и устанавливать существующие между ними отношения. Например, зеленая трава на переднем плане воспринимается более теплой по тону, чем та же трава на среднем и тем более на заднем плане. В пейзажном этюде необходимо начинать писать с целого, а не с деталей, следуя принципу: от общего —к деталям, с последующим обобщением. Вначале прокладывают общие цветовые пятна, а затем, когда большие цветовые отношения установлены, переходят к проработке деталей. В первоначальных коротких этюдах на пленэре (продолжительностью от 30 минут до одного часа) рисовальщик ставит себе определенную задачу: выработать метод работы цветовыми отношениями при цельности восприятия натуры. В таких этюдах выстраивают отношения между цветом неба, земли, пере Если вы успешно справились с задачей, можно переходить к более открытым пространствам, имеющим несколько планов (например, берег реки с ясно выраженным передним планом — деревом, кустом, строением и т.д.). На выполнение второго вида этюда отводится от 2 до 3 часов. Здесь помимо основной задачи, заключающейся в передаче основных цветовых отношений, с учетом воздушной перспективы и состояния освещения, потребуется дать пространственное решение и проработку деталей переднего плана. Определяя цветового состояние пейзажа, нужно найти основные отношения между цветом неба, земли, воды, а также обобщенных масс растительности (строении). Решив композицию будущего этюда в первоначальном наброске, намечаем на рабочем листе карандашом или сразу кистью главные части пейзажного мотива и пропорции больших масс. Уточняем месторасположение отдельных элементов пейзажа в соответствии с пространственными планами, в пределах которых они находятся, в подмалевке одним цветом. С использованием светотени очень обобщенно определяем основные тональные отношения крупных частей пейзажа. Далее переходим к работе в цвете с учетом общего освещения: утреннее солнце придает общему цветовому строю пейзажа, включая все объекты изображения, хорошо воспринимаемый желто-розовый оттенок, дневное солнце—золотистый, вечернее—оранжеватые или красноватые оттенки. Мягкий рассеянный свет пасмурного дня больше всего проявляет предметный (собственный) цвет объектов изображения. В изображении пространства в пейзаже большую роль играет проработка формы живописных объектов, находящихся на различных пространственных планах. Чтобы передать глубину в пейзаже, более конкретно прописывают формы предметов или объекты переднего плана. На передних планах отчетливее проступают собственные цвета предметов, здесь они выглядят объемнее, насыщеннее, с контрастной светотенью. При решении дальних планов нужно учитывать законы воздушной перспективы. По мере удаления от зрителя формы предметов теряют объемность и приобретают упрощенный, силуэтный характер, ослабевает их насыщенность — цвета становятся обусловленными воздушной средой и зависят от степени удаления от зрителя. С ростом мастерства появляется возможность обогатить палитру чрезвычайно богатыми красками природы, нюансировкой цветов растительного мира, передачей самых разнообразных настроений. Что касается подготовки к работе на пленэре, то здесь важно предусмотреть на первый взгляд не очень важные детали. Так, не следует в яркий солнечный день надевать насыщенную цветом одежду — она помешает, так как будет отбрасывать сильные по цвету рефлексы на палитру и картинную плоскость. Если вы устроились в тени деревьев, помните, что зеленый отсвет листвы повлияет на вашу работу. Чтобы не слепили лучи солнца, лучше писать, находясь под защитой локального цвета зонта, или носить головной убор с козырьком. Отправляясь на этюды, берите краску с запасом, особенно для пейзажей, в мотиве которых присутствуют земля, вода и небо. Если вам удастся подобрать три основных цвета из имеющихся красок и в нужном количестве, они помогут установить цветовое единство пейзажа и избежать чрезмерного расцвечивания этюда. Работая акварелью, позаботьтесь о запасе воды во фляге. Над пейзажем можно работать в любое время года. | |
дним, средним и дальним планами. Полезно вначале в качестве сюжета выбирать мотивы с ограниченным замкнутым пространством (например, двор с его растительностью и частью строений).pdnr.ru
Как рисовать на природе - Рисунки карандашом поэтапно
Post Views: 541
Теплое время года – это настоящий рай для художника, ведь можно выбраться из тесной мастерской и заняться живописью на пленэре.
Содержание:
Что такое пленэр?Пейзаж, портрет, натюрморт на природе…Что же понадобится художнику на пленэре?Нюансы рисования на природе
Что такое пленэр?
Для новичков, которые еще не знакомы с термином «пленэр», нужно пояснить, что это слово пришло к нам из французского языка и означает рисование на открытом воздухе, вне стен помещения. Изначально пленэр служил исключительно для создания эскизов и набросков. Позже он перерос в самостоятельное течение. Так зародился импрессионизм и другие известные техники.
Стоит ли говорить о том, что занятия живописью на пленэре сопровождается многими приятными моментами. Свежий воздух, пение птиц, шелест листвы, шум ветра – всё это создает особую творческую атмосферу. Пленэр дарит художнику ощущение гармонии и единения с окружающей средой. Так художник может почувствовать себя частью того, что он рисует, ближе рассмотреть цвета и текстуры, прочувствовать динамику пейзажа, чего невозможно добиться в помещении.
Как для начинающего, так и для профессионального художника живопись на пленэре — это просто бесценный опыт.
Помимо свежего воздуха и свободного пространства, живопись на пленэре обладает еще одним неоспоримым преимуществом – естественным освещением. Один и тот же предмет, например, обычное яблоко, выглядит абсолютно по-разному в помещении и на улице. Тусклое и бледное в комнате, оно наполняется новыми красками и танцующими бликами на открытом воздухе. Соответственно и рисунок, выполненный с такой натуры, будет более живым и ярким.
Особенно полезно для лучшего восприятия цвета запечатлеть один и тот де предмет или пейзаж в разное время суток, в солнечную или пасмурную погоду.
Пейзаж, портрет, натюрморт на природе…
Чаще всего на пленэре пишут пейзажи (собственно, с этого и начиналась пленэрная живопись, так и зародился импрессионизм). Где, как не на улице, можно уловить всю прелесть природы, всё буйство красок и полноту жизни.
Широко распространена также практика рисования портретов на открытом воздухе. Естественное дневное освещение делает лицо натурщика более живым и выразительным, а пейзаж на заднем плане дает ощущение свободы, пространства и объемности композиции. Выбирать для портрета стоит такие локации, которые подчеркнут индивидуальность натурщика: его характер или род деятельности.
Многие художники любят писать натюрморты на открытом воздухе. Стоит обращать особое внимание на предметы, составляющие основу композиции. На природе стоит рисовать именно те предметы, которые имеют к ней непосредственное отношение (цветы, фрукты, овощи и так далее). Стол и драпировка передают только контуры, блики и тени, но в таком натюрморте отсутствует душа, лишь сухая техника.
На природе же натюрморт приобретает объем, вкус, запах и цвет. К тому же, собираясь на пленэр, вовсе не обязательно тащить весь натюрморт за собой. Сама природа дает художнику массу предметов для творчества.
Иногда природа преподносит художнику неоценимый подарок в виде уже готового натюрморта: трухлявый пень, упавшее яблоко… Нужно учиться замечать прекрасное в мелочах.
Что же понадобится художнику на пленэре?
Основным атрибутом живописи вне мастерской является этюдник. Он сочетает в себе все прелести мольберта и практичность маленького чемоданчика, куда можно поместить все необходимое для творчества.
Не лишним будет захватить с собой небольшой раскладной стул. Но слишком увлекаться рисованием сидя не стоит. В таком положении несколько искажается изображение, теряется возможность полноценного охвата взглядом окружающей природы, а также сужаются углы обзора самого рисунка.
На пленэре можно работать в самых разных техниках – масло, акварель, пастель. Все зависит от предпочтения и мастерства художника. Но независимо от выбранного материала, на пленэр нужно брать с собой только самое необходимое.
Не нужно тащить за собой все кисти (трех кистей разных размеров будет вполне достаточно), тюбики, пузырьки и так далее.
Ограничив себя в цветовой гамме, вы научитесь смешивать и комбинировать цвета, получая все новые и новые оттенки.
Что касается холста или бумаги для рисования, здесь тоже есть определенные правила. Холст лучше заранее натянуть на подрамник и тщательно загрунтовать. Если же предпочтение отдается бумаге, нужно позаботиться о твердом планшете, на котором бумагу можно для удобства закрепить с помощью обычного или двустороннего скотча. В зависимости от уровня своего мастерства выбирайте более дешевую бумагу (для новичков) или ту, что подороже (для опытных художников).
Зачастую художники предпочитают заниматься на пленэре исключительно созданием этюдов, а позже в мастерской превращать их в полноценные произведения искусства. В таком случае просто необходимо захватить с собой фотоаппарат, чтобы не упустить ни одной детали при создании будущего шедевра.
Но все же, вся прелесть пленэра заключается именно в том, что работа отражает как бы сиюминутное впечатление и настроение. Ведь один и тот же предмет, один и тот же пейзаж художник может видеть абсолютно по-разному в зависимости от настроения.
Некое ощущение незаконченности, недосказанности и легкой небрежности – это именно то, что придает особое настроение и шарм работам, выполненным в условиях пленэра.
Нюансы рисования на природе
Несмотря на все прелести пленэра, существуют все-таки некоторые нюансы. Свои коррективы в творчество художника может внести погода. Освещение тоже порой бывает непостоянным – тучка, закрывшее солнце, может спутать все карты художнику и усложнить цветопередачу. Ну и ветер, само собой, не добавляет комфорта. Также многое зависит и от самого места, которое выбрано для пленэра.
Но, собственно говоря, пленэризм и не требует кропотливой долгой прорисовки мельчайших элементов. Нужно уяснить, что суть его заключается в том, чтобы успеть запечатлеть мимолетное состояние природы, пока светит солнышко, пока дует ветер, пока в нужном направлении падает тень. А спонтанное изменение направления ветра или резкая смена погоды может придать картине новый смысл, добавить новых эмоций и красок.
Post Views: 541
risunci.com
Что такое живопись на пленэре? Советы дилетанта | Культура
Передо мной стол, накрытый скатертью. Синяя ваза с фруктами, посуда, кувшин с цветами. Я набросала все это в карандаше и уже хотела приступить к работе красками, но задумалась. Стала присматриваться в который раз к натюрморту. Обратила внимание на глухие тени в складках ткани, белесые разводы на керамике и стекле, холодные блики от окна.
А за окном был погожий весенний денек. И я решила перенести стол со всеми предметами на лужайку около дома. Когда взглянула на натюрморт, то поразилась, насколько он «посвежел»: исчезли серые нейтральные тона, тени стали прозрачными, краски засветились, возникли многочисленные цветовые нюансы, веселые блики. Натюрморт словно ожил, задышал. Потому что оказался на пленэре, то есть под открытым небом, в природной воздушной и световой среде.
Если в помещении освещенность ограничена и обусловлена размерами окон, а на световое и цветовое состояние влияет окраска стен, потолка, всевозможных предметов, то на пленэре все гораздо сложнее. Ведь погода бывает разная и меняться может быстро. Каждое время дня имеет свои особенности: в июле они одни, а в августе другие. Неодинаковы нюансы пленэра в поле, степи, лесу, у моря, в городе.
Было время, когда художники, изображая сцену, происходящую на открытом воздухе, или пейзаж, писали людей и предметы так, словно те находились в помещении, при этом основной целью было передать материальность фактуры, локальный цвет, объем. Художников не смущала условность. Например, пейзаж делили на три плана: ближний — коричневый, средний — зеленый, дальний — голубоватый. При этом учитывались особенности восприятия теплых и холодных красок; первые как бы приближаются, вторые удаляются, создавая впечатление глубины пространства.
Д. С. Сарджент, «Клод Моне на опушке леса»Фото: ru.wikipedia.org
Не надо путать живопись на пленэре с пленэрной живописью. Ведь можно писать на открытом воздухе так, словно работа идет в полутемной мастерской, — скучно, вяло, невыразительно. Другое дело — живопись, передающая вибрацию воздуха, мерцание света, игру красок. Живопись, которая воплощает движение, охватывающее природу от мельчайшей травинки до широких рек и высоких облаков. И если такая живопись счастливо сочетается с глубиной замысла художника, его душевным порывом, то успех обеспечен.
У каждого предмета своя «среда обитания». Есть, конечно, и такие, которым почти всюду уместно присутствовать: где человек, там и они. Так, плееры и мобильники стали теперь вездесущими (их звуковые ритмы можно услышать где надо и не надо). Однако в глухом лесу было бы странно встретить книжный шкаф или пианино. Не менее удивительно обнаружить в жилой комнате замшелый пень, усыпанный опятами, или грядку с огурцами. По крайней мере, это нетипично.
Писать на пленэре желательно предметы, для него характерные. Если предметов несколько, то это уже натюрморт. Натюрморт может быть двух типов: один — составленный в соответствии с избранной темой, другой — естественный, «подготовленный» самой природой. Но и готовый нужно отыскать, выбрать удачную точку обзора, самое подходящее освещение, решить, целиком его изображать или частично, показывать ли предметы, которые видны на дальнем плане, или заменить их условным фоном.
Например, А. Пластов написал освещенные солнцем подсолнухи на фоне ясного неба. Все в желтых бликах и голубых тонах. В большинстве жанровых произведений Пластова натюрморту отведено далеко не последнее место. Вспомните «Жатву», «Ужин тракториста», «Летом».
А. Пластов, «Лето», 1960 г.Фото: Источник
Стоит оказаться на природе — и вы найдете массу предметов, которые так и просятся на бумагу или холст. Садовые, полевые и лесные цветы, травы (как чудесно их писал Иван Шишкин!), камни и ветви деревьев (вы, конечно, помните этюды А. Иванова), замшелые пни, сухой валежник, лукошко с грибами, овощи и ягоды, зеленеющие и краснеющие на грядках. Все эти предметы замечательны сами по себе и более чем достойны «персонального» изображения. Но они вполне могут быть составной частью пейзажа или жанровой картины.
Нередко пейзаж или жанровая сцена лишь дополняют натюрморт. Например, в картине А. Лентулова «Овощи» на первом плане изображена бочка с глиняным кувшином, дощатый пол с кочанами капусты, красным перцем и другими овощами. А дальше зеленеет луг, видны сиреневые горы с далекими облаками на фоне синего неба. Теплые блики чередуются с холодными отсветами неба. Чувствуешь, что капуста свежа и если ее тронуть, то звонко захрустит, что перец и редиска упруги и ароматны.
Мартирос Сарьян написал свой «Осенний натюрморт» на фоне гор. Он как бы царствует над долиной, прославляя щедрость природы: ведь эта фруктовая россыпь не меньшее чудо, чем величественная вершина. Чтобы получился красивый натюрморт, нужно найти удачный формат картины, высоту горизонта, композицию. Все части картины должны быть уравновешены, чтобы не возникало чувства перегруженности в одном углу и пустоты в другом. Конечно, все эти овощи можно принести домой и добросовестно, неспешно запечатлеть. Но содержание картины ее смысл будет абсолютно иным. Большое искусство — найти в природе готовый натюрморт. И не меньшее — самому его составить.
М. С. Сарьян, «Осенний натюрморт. Плоды созрели», 1961 г.Фото: Источник
Свойства нашего зрения таковы, что при сильном освещении мы плохо воспринимаем форму, и особенно окраску предмета. Поэтому многие художники предпочитают писать в пасмурную погоду или располагаться в тени, тогда наиболее полноценно воспринимаются даже самые тонкие цветовые нюансы.
Особенности пленэра, а точнее конкретной географической среды, в той или иной степени влияют на язык живописи и графики. Как, например, объяснить, что для живописи Китая и Японии характерна слабая прорисованность дальних планов? Почему в живописи этих стран художники веками так искусно пользуются тушью и акварелью, передавая тончайшие оттенки тона и цвета? А, например, в миниатюрах Ирана четко показаны подробности. Такие характерные различия пейзажей можно объяснить климатическими условиями этих стран. В Японии климат влажный, в воздухе много водяных паров, дали тонут в дымке, в тумане, в пелене дождя. Влажный воздух помогает писать тушью или акварелью в технике «по сырому», благоприятный для достижения тончайших, едва заметных переходов одного цвета в другой. На юге климат сухой, воздух прозрачный, даль видна ясно, что в какой-то степени и предопределило особенности художественного языка, прочно вошедшие в традицию.
В странах умеренного климата освещение намного благоприятнее для живописи на пленэре. Недаром акварель достигла столь блестящего развития именно в туманной Англии. Но зато при хорошем солнечном освещении на холст просится настоящее буйство красок. И мне вдруг захотелось нарисовать разбросанные по траве ярко-желтые одуванчики.
Думаю, что этот рисунок, в котором так много солнечного света, понравится моей подруге.
Что еще почитать по теме?
Пять чувств. Что может передать живопись?Устрица — символ борделя? Как читать натюрмортКак киевлянин Владимир Орловский стал «корифеем русского пейзажа»?
Теги: пейзаж, художники, рисование, страны, картины, технология, живопись, изображение, искусство, природа, обучениеshkolazhizni.ru
Три шага к удачной картине на пленэре
Даже если вы начинающий художник и никогда не рисовали на свежем воздухе с натуры, то следование нескольким простым правилам позволит с первого раза получить вполне приличный результат.
Настали теплые деньки, а значит, наступило время размять свои кисточки. Даже если до этого вы никогда не выходили на пленэр, то майские праздники – прекрасное время, чтобы сделать это в первый раз.
Не знаете, что такое пленэр? Пленэр - это когда художник собирает свои кисти, карандаши, краски, маркеры, скетчбуки, холсты и выходит на свежий воздух, чтобы сотворить шедевр. Традиционно жанром пленэрной живописи считается пейзаж, но если вы предпочитаете писать натюрморты или портреты, то этого никто не запрещает, все в ваших руках!
Итак, вы решились и вышли на улицу, взяв все самое необходимое для пленэра, но не представляете с чего начать? Мы вам подскажем!
Шаг первый – десантирование на местность
Начать надо с поиска места дислокации. Это ваш первый шаг. Конечно, идеальным вариантом было бы заранее знать, что именно вы хотите запечатлеть на холсте. Художники, рисующие давно, не расстаются со скетчбуками и карандашами даже во сне, поэтому, увидев где-нибудь интересный сюжет, они тут же делают набросок. Далее его можно использовать, как ориентир, чтобы вернуться к сюжету уже во всеоружии.
Однако, если вы новичок и не делали никаких набросков заранее, то не спешите рисовать первое попавшееся дерево. Руководствуйтесь правилом – рисовать то, что нравится. Нравится соседский забор? Вдохновляет? Тогда пишите. А если он вас раздражает, то идите дальше.
Хорошим подспорьем для начинающих художников будет список достопримечательностей их города. Только не пытайтесь охватить сразу все, что видите. Выбрали какой-то один крупный объект, не отвлекайтесь на тысячу мелких. Помните, что художник – не фотоаппарат, ему не требуется запечатлеть сразу все, что попало в поле его зрения. Написали основную тему своей картины, можно "забить" фон деревьями, которые не будут отвлекать ни зрителя в процессе разглядывания работы, ни вас, в процессе ее написания.
Шаг второй – объект на мушке
Шагаем дальше. Вы нашли сюжет для вашей будущей картины. Теперь надо определить с какого края к нему подойти. Ведь одно и то же место выглядит совершенно по-разному с различных ракурсов. Поэтому если дерево выглядит прекрасно с этой точки обзора, то вполне вероятно, что с другого угла оно будет выглядеть просто сногсшибательно.
По мнению Герхарда Штрицеля ошибочно полагать, что самый лучший ракурс для рисования – фронтальный. Мало того, что рисовать объемные объекты с «лицевой» стороны очень сложно, так еще и картина часто получается статичной, в ней просто не хватает наклонных линий. Поэтому оптимальный угол зрения для пейзажа любого типа и, особенно для пейзажа с элементами архитектуры, 30 – 45 градусов.
Итак, градус пойман, осталось только решить какую именно часть увиденного вы перенесете на бумагу. Для этого стоит определиться с ориентацией листа : альбомной или портретной. На самом деле не всегда действует правило «дерево я рисую в портретной ориентации, а поле и море в альбомной». Чтобы было легче «увидеть» будущую картину на листе, воспользуйтесь самым простым приспособлением. В листе темного картона прорежьте отверстие со сторонами 10 и 14,2 см (это пропорции формата А4). Через эту рамку вы смОтрите на мир с расстояния вытянутой руки и легко определяете, что достойно быть включено в ваш сюжет, а что лучше из него убрать. Ну и сразу же определяетесь с ориентацией листа.
Следующий немаловажный фактор, а может быть самый важный при работе на пленэре – освещение. Вы так тщательно выбирали место для рисования, бегали туда-сюда в поисках нужного ракурса, прикладывали рамку, а когда расположились, поняли, что солнце светит вам прямо в глаз. Ну что же, поздравляем, придется свернуть позиции и прийти сюда в другой раз. Ну или поискать другое место для рисования.
Однако если солнце находится позади вас, то вам несказанно повезло, а если оно располагается еще и позади справа, то звезды сошлись полностью и можно приступать к работе. Светило точно не помешает вам в течение нескольких часов работы.
Помня о том, что солнце у нас объект динамичный, мы начинаем делать набросок будущей картины. Визуально делим картину на несколько планов – передний, средний и дальний.
Далее делаем набросок основных объектов на каждом из планов, группируя их так, чтобы получилась уравновешенная композиция. На этом этапе детализация объектов не требуется.
По совету Лейтона Хикмана, после создания композиции, прорисовываем некоторые основные детали, чтобы было понятно, о чем идет речь и оттеняем карандашом наиболее темные места. Источник освещения надо зафиксировать сразу, набросав тени, потому что через 30 минут положение солнца уже существенно изменится и тени переместятся в другое место.
При построении композиции стоит помнить три правила, которые помогут вам при работе с цветом:1. Чем дальше объект, тем он меньше.2. Чем дальше объект, тем он светлее и холоднее по тону.3. Чем дальше объект, тем он менее четок.
Шаг третий – цветовой залп
Вы сделали набросок, проработали тени и теперь не знаете, как приступить к заполнению наброска цветом? Посмотрите на то, что находится перед вами. Определите общий тон картины (холодный или теплый), затем выделите основные цвета (небо – голубой, деревья – зеленые, цветы – красные, домик - желтый), наберите нужные цвета на палитру, разбавьте их почти до прозрачности - настала пора делать подмалевок.
Подмалевок – это нанесение на бумагу тонких слоев краски основной гаммы с целью выделения главных цветовых пятен, грубой прорисовки форм.
На данном этапе работы не важна аккуратность, цвета могут переходить один в другой, четкой границы между ними не существует.
Следующим этапом является нанесения более густой краски поверх слоя подмалевка. Какого-то конкретного правила, как работать со вторым слоем, нет. Кто-то предпочитает двигаться от светлого к темному, кто-то наоборот, вначале забивает тени, а потом идет на осветление. Важно помнить, что на этом этапе мы не уделяем много внимания деталям, мы просто подчеркиваем форму, определяем глубину работы (вот тут как раз три правила перспективы вам в помощь).
Третий этап самый ювелирный. Тут мы работаем с деталями аккуратно и совсем ненавязчиво. Выделяем объекты переднего плана, подчеркиваем резкие тени. Главное не переборщить, чтобы картины не стала пестрой.
Подробнее о поэтапной работе с акварелью на пленэре можно почитать в нашей статье «Шпаргалка для пленэра: чай, молоко и мед».
В следующей статье мы расскажем вам об особенностях пленэра с различными материалами: красками, карандашами, пастелью, маркерами.
Купить все, что нужно для пленэра можно в специальном разделе нашего магазина.
colormondays-ru.livejournal.com
Рисование на пленэре- Как научиться рисовать
Упрощение сюжета
Акварельные краски хорошо подходят для свободного импрессионистского стиля. Я начинаю работу на пленэре с того, что вначале упрощаю все элементы сюжета, то есть размечаю большие участки света и тени. (Вы можете быть просто подавлены, если попытаетесь выписывать каждый лист и лепесток). Ниже приводится несколько советов о том, как писать группу деревьев и цветов в их естественном окружении, например в саду на картине ниже.
Я сделала быстрый набросок акварелью на природе и закончила эту картину в студии.
Набросок формы
Я часто представляю цветы и другие растения как простые большие объемы света и тени. Обратите внимание, как большие мазки желтого и зеленого дают вполне достаточную информацию, позволяющую получить представление об общей форме растений.
Сохранение белых участков
Мои краски кажутся ярче благодаря тому, что я оставляю несколько пробелов среди разных цветов.
Сосредоточение на цвете
В том случае, когда нужно написать большие группы цветов, я сосредотачиваюсь на общем цветовом решении и на светлых и теневых участках. Я не пытаюсь писать каждый цветок отдельно.
Как передать ощущение весны
Выбирайте сюжеты, которые вам действительно интересны, даже если это ваш собственный двор! Я люблю писать весенний сад. Дожди делают воздух чистым, солнце светит все ярче. Цвета распустившихся растений свежи. Сад действительно оживает благодаря буйному цветению, настоящему взрыву красок. Чтобы передать ощущение весны и влить жизнь в картину, я сохраняю чистоту и свежесть красок.Весенняя палитра:
эти краски я брала для изображени весеннего сада. Я люблю яркие розовые тона в сочетании с фиолетовым, а зеленые с капелькой желтого добавляют контраст и оживляют картину.
Выбор времени работы над картиной на пленэре
Важным моментом в живописи на пленэре является выбор дневного времени. Утренние и вечерние цвета обычно бывают холодными; полуденные- это теплые цвета. Выбирайте время, которое подходит вашему настроению и палитре красок.Фотография ниже была сделана ближе к вечеру, когда солнце стало заходить и на землю легли длинные тени. Самое лучшее время для пленэра- утро и ранний вечер, когда солнечный свет падает под таким углом, что на землю ложатся длинные тени и можно наблюдать игру резких контрастов между светом и тьмой. Обратите внимание, как тени от деревьев образуют на земле пятнистый узор, подчеркивая пространство и придавая ощущение глубины.
Вы на сайте paintmaster.ru
paintmaster.ru
